Crossing Lines Through Art and Design
À l’occasion de Frieze et PAD London 2026, MAD Brussels et hub.brussels présentent Crossing Lines Through Art and Design, une exposition collective dédiée à l’art fonctionnel et au collectible design.
Réunissant les créations d’une sélection de designers bruxellois·es, cette présentation met en lumière la richesse et la diversité de la scène créative belge auprès d’un public international composé de collectionneur·euse·s, de curateur·ice·s, de galeristes et de professionnel·le·s du design.
L’exposition prend place dans un lieu d’exception : la résidence de l’Ambassadeur de Belgique à Londres. Accessible uniquement sur rendez-vous, ce cadre intimiste favorise une rencontre privilégiée avec les œuvres exposées et les designers qui les ont conçues.
À la croisée de l’art et du design
Dans ce joyau architectural du XIXᵉ siècle, le collectible design et l’art fonctionnel épousent les contours du mobilier, de la sculpture et de l’objet. La transformation de la matière, les tensions entre poids et légèreté, opacité et transparence, ainsi que l’équilibre subtil entre forme et fonction révèlent la vitalité de la création contemporaine bruxelloise.
La scénographie de l’exposition s’inspire de l’architecture de la résidence à travers un vocabulaire graphique minimal, structuré par une trame de lignes fines. Plutôt que de rivaliser avec les œuvres, elle compose un arrière-plan discret qui les met en valeur et renforce le dialogue entre art, design et patrimoine architectural.
Les designers participant·e·s
Crossing Lines Through Art and Design réunit des talents émergents et des designers établi·e·s, chacun·e développant une approche et une signature propres. Ensemble, iels représentent une nouvelle génération qui envisage le design en tant que médium narratif, une forme d’expression sculpturale et une expérience sensorielle.
Barbora Žilinskaitė
Artiste et designer installée à Bruxelles, Barbora Žilinskaitė est diplômée en design de produit et de l’espace de la Vilnius Academy of Arts (2019). À travers une pratique sculpturale nourrie par l’expérimentation des matériaux, elle explore la manière dont des objets fonctionnels peuvent acquérir une dimension symbolique et presque organique grâce à des formes anthropomorphes. Son travail interroge les frontières entre l’humain et le non-humain. Représentée par la galerie Friedman Benda, ses œuvres figurent notamment dans les collections du Museum of Fine Arts de Houston et de l’Odunpazarı Modern Museum.
Nicolas Zanoni
Les créations de Nicolas Zanoni bousculent les codes du design contemporain. Irréguliers, façonnés à la main et souvent issus de rencontres fortuites avec les matériaux, ses objets fonctionnels empruntent le langage de la sculpture, tandis que ses sculptures revendiquent une dimension utilitaire. Diplômé d’un master en design industriel à La Cambre, il développe une pratique expérimentale fondée sur l’intuition, l’improvisation et la manipulation de matériaux industriels tels que le polystyrène ou l’aluminium. L’accident, la spontanéité et la surprise occupent une place centrale dans son processus créatif. Si ses pièces évoquent des sculptures, leur matérialité singulière et leur fonctionnalité invitent avant tout à une relation physique avec l’utilisateur·ice.
Xavier Servas
Artiste plasticien et designer d’objet basé à Bruxelles, Xavier Servas a travaillé au Vietnam, où il a contribué à la préservation des savoir-faire artisanaux locaux. De retour en Europe, il s’est investi dans la communauté des artisan·e·s en tant que consultant et responsable de fablab. Depuis 2019, il développe une pratique artistique indépendante centrée sur les techniques artisanales traditionnelles, qu’il confronte aux enjeux contemporains. Inspiré par l’archéologie et l’ethnologie, il explore le potentiel actuel des matériaux préindustriels et construit un langage visuel poétique, empreint d’intemporalité et d’imperfection.
Lila Farget
Formée à la sculpture à l’ENSAV La Cambre, Lila Farget s’est ensuite spécialisée dans la technique exigeante du verre coulé, devenu le matériau de prédilection de sa recherche sculpturale. Travaillant exclusivement en monochrome, elle place la couleur et la lumière au cœur de sa pratique. La construction constitue un principe fondamental de sa démarche : ses sculptures se composent de strates successives qui façonnent le volume et la forme. Depuis le début des années 2000, elle collecte également des emballages en carton issus de produits de consommation, qu’elle réinterprète en verre. Depuis son atelier aux Zaventem Ateliers, elle associe les techniques de fonte du verre et du bronze pour créer des luminaires et des pièces de mobilier à dimension sculpturale.
Joe Sterck
Joe Sterck est un designer belge dont la pratique se situe à mi-chemin entre le mobilier et la sculpture. À travers une approche expérimentale, il questionne les codes établis du design contemporain et explore les limites de la fonctionnalité. En réinterprétant les matériaux existants et en développant de nouvelles techniques, il renouvelle sans cesse son langage formel et repousse les frontières entre usage et expression sculpturale.
Maxime Halot
Designer de mobilier basé à Bruxelles, Maxime Halot explore les possibilités offertes par le travail du métal, de la mise en forme au traitement de surface en passant par la manipulation de la matière. Il développe ses propres techniques de cintrage et d’assemblage afin de créer des pièces sculpturales aux lignes architecturales, façonnées à l’aide d’outils conçus sur mesure. Ses créations jouent sur les tensions entre légèreté et pesanteur, entre plein et vide. Animé par une vision fondée sur le partage des ressources, il est également à l’initiative d’Atelier Bardaf, un atelier partagé où artistes et artisan·e·s émergent·e·s collaborent et mutualisent matériaux et savoir-faire.
Maarten De Ceulaer
Après des études en architecture d’intérieur à Sint-Lukas Bruxelles, Maarten De Ceulaer poursuit sa formation à la Design Academy Eindhoven. Son projet de fin d’études, A Pile of Suitcases, inspiré par sa passion du voyage, est rapidement repéré par Nina Yashar, fondatrice de la galerie milanaise Nilufar. Son travail se distingue par une approche poétique, ludique et évocatrice de l’objet. Toujours en quête de nouveaux matériaux, techniques de production et savoir-faire, il accorde autant d’importance à la dimension émotionnelle de ses créations qu’à leur fonction. Ses pièces figurent dans de nombreuses collections publiques et privées et ont été présentées dans des musées, festivals, biennales et foires internationales.
Natalia Brilli
Le travail de Natalia Brilli se déploie à la croisée de la mode, de l’art et du design d’objet. Depuis 2003, elle développe un langage singulier en gainant de cuir des objets du quotidien, transformant l’ordinaire en créations empreintes de mystère et de poésie. Son univers puise dans le surréalisme, le fétichisme, le folklore ainsi que dans son héritage belgo-italien. Ses œuvres habillées de cuir font partie des collections de plusieurs institutions prestigieuses, parmi lesquelles le MoMu à Anvers et le Musée des Arts décoratifs à Paris. Depuis 2021, elle élargit sa pratique à la création d’objets, de tapisseries, de céramiques et de mobilier, souvent réalisés à partir de meubles, d’objets et de cuir recyclés. Représentée par des galeries à New York et à Genève, elle collabore régulièrement avec des architectes, notamment le duo Studio KO.
Informations pratiques
Crossing Lines Through Art and Design se tient à la résidence de l’Ambassadeur de Belgique à Londres (36 Belgrave Square, London SW1X 8QB), les jeudi 15 et vendredi 16 octobre 2026, de 10h à 16h.
La présentation est accessible uniquement sur rendez-vous. Pour planifier votre visite, contactez-nous à rsvp@mad.brussels.
Cette présentation s’inscrit dans le cadre de Belgium is Design, une initiative qui promeut le design belge sur la scène internationale.
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Claudia